La responsabilité de l’artiste chez Jacques Maritain

« À la raison méthodologique s’ajoute une raison proprement esthétique, à savoir que l’art contemporain opère des ruptures non seulement avec le goût ordinaire mais aussi, beaucoup plus en amont, avec les cadres cognitifs qui définissent la nature même de l’œuvre d’art. Quand Duchamp a exposé son urinoir, le problème des gens n’était pas de savoir si c’était beau ou pas beau, mais si c’était de l’art ou si ce n’en était pas. L’art contemporain est une sorte de laboratoire expérimental des cadres qui définissent, pour le sens commun, la nature même de la différence entre art et non art. »

Telles sont les mots de Nathalie Heinich dans son étude de 1999 intitulée Les rejets de l’art contemporain², cette description des réactions à l’égard de l’art contemporain montre la nature évoluante de l’Art à travers ses codes esthétiques, mais révèle une certaines immuabilité de la notion d’oeuvre d’Art chez une partie du public à savoir une représentation (et non nécessairement une imitation) picturale, littéraire ou musicale d’une réalité intelligible, de quelque chose qui fait sens. Cette définition étant celle de la Beauté dans la conception aristotélicienne ou thomiste de l’Art. Bien que la subjectivité érigée comme un absolu semblent avoir gagné la bataille culturelle, du moins institutionnelle, il est intéressant de constater au cours de discussions, comme au fil de lectures ou même de débats contemporains que l’Art n’est ni perçu, ni défini de la même manières selon les milieux sociaux. Certains brandiront ici de nouveau le drapeau du relativisme et de la subjectivité et pourtant il est encore des personnes qui caractérisent l’Art avec des critères qui veulent relever de l’objectivité.

Il suffit de lire des réflexions philosophiques contemporaines comme celle de Maud Pouradier, maître de conférences en esthétique et philosophie générale à l’université de Caen Normandie au congrès annuel de 2018 de la Société Française d’Esthétique sur la notion de désartification³ pour comprendre que des guerres idéologiques et sémantiques persistent dans le milieu artistique et même en dehors de cette sphère puisque le peuple a lui aussi des comportements révélateurs, d’approbation ou de désapprobation vis à vis de l’Art. Jacques Maritain relève d’ailleurs très bien cela dans le chapitre III de La Responsabilité de l’Artiste, intitulé l’Art pour le peuple.

L’art contemporain cherchent souvent à susciter de vives réactions dans la majorité du public, soit moqueuses, soit haineuses, au point qu’il en a presque fait sa fin, seule une minorité de personnes semble louer l’artiste pour le concept ou la stupeur qu’il a suscité, renforçant ainsi l’esprit de caste souvent dénoncé dans ce milieu. C’est en réalité une nouvelle querelle des Anciens et des Modernes, qui selon certains existerait depuis toujours. Aussi les impressionnistes qui étaient conspués en leur temps pour leur manque de réalisme, font aujourd’hui se bousculer les foules devant leurs tableaux, le temps a purifié leurs oeuvres et a révélé des beautés nouvelles. Car là est la définition de Maritain de l’artiste, l’artiste est un créateur de beautés nouvelles, non le copiste du déjà fait. La représentation identique de ce qu’il perçoit, en particulier dans l’art figuratif n’est pas une fin en soit. L’Art est au service de la Beauté, comme resplendissement de formes intelligibles à travers l’oeuvre, qui dégage alors une signification universelle. On voit là, la réactualisation de la définition scolastique de l’Art chez Maritain. Il ne va pas exclure l’artiste pour la disproportion, l’abstraction partielle de son oeuvre, pour peu qu’une vérité intelligible soit perceptible par le spectateur. Aussi était-il proche de Georges Rouault mais aussi de Gino Severini, peintre futuriste qui dans un soucis de représenter les mouvements usait souvent d’abstraction, ce qui n’empêche pas le spectateur de saisir le sens de l’oeuvre pour peu que le titre soit suffisamment évocateur, pour comprendre ce qu’il se passe sur la toile.

La finalité de l’Art est l’oeuvre et la Beauté. Beaucoup d’oeuvres d’art moderne qui semblent faire un pas de côté par rapport à l’idée qu’on se fait de la mimésis, à savoir l’imitation ou la représentation du réel dans ses proprortions, (de laquelle découle le plaisir esthétique) conserve cette téléologie de l’Art et de la Beauté en stylisant le réel, quitte à passer par l’abstraction tant que celle ci retranscrit la réalité de l’objet et sa signification universelle. Cette philosophie de l’Art semble de nos jours être complètement obsolète à l’heure de l’art conceptuel et de l’art contemporain, qu’on ne peut certes pas englober dans un amalgame car contemporain désigne à la fois un type d’art mais est aussi un adjectif pour désigner l’Art qui se fait de nos jours dans sa globalité. Il n’en reste pas moins que la téléologie traditionnelle de l’Art a totalement été révisée.

À partir de l’extrait que nous avons étudié nous essayerons de considérer cette problématique:

En quoi la philosophie de l’Art de Jacques Maritain, plus particulièrement de l’Art et de son rapport à la Morale, est-elle problématique dans la sphère artistique contemporaine ?

Dans un premier temps nous étudierons comment la définition de l’Art de Jacques Maritain peut exclure un pan entier de l’Art, révélant ainsi une combat sémantique insolvable. Secondement nous verrons en quoi la question morale suscitent des controverses au sein de l’Art et comment cette dernière n’est plus perçu comme finalités mais comme moyens dans la production de certaines oeuvres d’art qui reposent sur la transgression morale.

I- Questionnements autour de l’art conceptuel et de la musique

a) L’art conceptuel, un art qui ne se réfère pas à la beauté, ni à la technique :

« Une œuvre d’art au sens classificatoire est un artefact tel qu’un ensemble de ses aspects fait que le statut de candidat à l’appréciation lui a été conféré par une personne ou un ensemble de personnes agissant au nom d’une certaine institution sociale (le monde de l’art). »⁵

Telle est la définition que donne George Dickie, un philosophe américain du XXème siècle, spécialiste d’esthétique et de critique de l’art dans son ouvrage de 1974, Art and the Aesthetic. An Institutional Analysis.
Cette définition récente bien qu’elle pointe un caractère institutionnel de l’oeuvre d’art montre combien les critères d’évaluation énoncés par Maritain dix ans plus tôt dans La Responsabilité de l’Artiste étaient déjà bouleversés depuis quelques décennies.

Ici ça n’est pas le fait qu’une production soit née de l’exercice de vertus artistiques, d’une technique, au nom de l’Art et au service de la beauté qui fait qu’une production est une oeuvre d’Art, mais bien le consentement d’une ou plusieurs personnes au coeur d’une institution artistique à lui reconnaitre des caractéristiques qui la font concourir au titre d’oeuvre d’art selon les critères définie par l’institution.

Les caractéristiques n’étant pas mentionnés on en déduit qu’elles sont définies par l’institution, là où Maritain parle de caractéristiques intemporelles qui se maintiennent malgré les évolutions esthétiques.
Ce qui peut alors poser problèmes dans la philosophie de l’art de Maritain c’est qu’elle exclue tout un pan de ce que des institutions peuvent qualifier d’oeuvres. Par exemple l’art conceptuel qui est une branche de l’art contemporain qui a été pensé par Marcel Duchamp au début du XXème siècle avec ses ready-made, ne repose que sur l’idée d’art et non sur des

caractéristiques esthétiques des objets et des oeuvres. Aussi l’esquisse préalable à la réalisation de l’oeuvre est plus importante que l’oeuvre elle même.
Sandrine Darsel dans son ouvrage de 2013, Le Paradoxe de l’Art Conceptuel, donne des éléments caractéristiques communs aux oeuvres d’art conceptuel, dont deux qui excluent ce type d’oeuvre de la définition de l’Art de Jacques Maritain à savoir :

« L’art conceptuel tente de s’éloigner de l’emphase traditionnelle portée sur le plaisir sensible et la beauté, au profit des idées et de la dématérialisation de l’objet artistique. Comme le défend Sol LeWitt, “Paragraphs on Conceptual Art”, Art Forum, Été 1967., ce qui fait la valeur de l’art conceptuel, c’est le concept, l’idée. »⁶

Autrement dit l’art conceptuel se place hors du champs de la beauté, ce que l’Art sert par essence chez Maritain. À comprendre le beau comme resplendissement de formes intelligibles à travers l’oeuvre qui dégage alors une signification universelle. Or si l’Art n’est pas intelligible, car libre d’interprétation selon le concept de l’Artiste, alors on ne peut en saisir une signification universelle puisque celle-ci est relative au spectateur. Dans ce cas précis les oeuvres d’art conceptuel qui ne sont pas représentative de formes intelligibles qui mettent le spectateur en lien direct avec l’Être, sont semble-t-il exclues du champs artistique chez Maritain.

Elle peuvent néanmoins répondre à d’autres définitions de la beauté, celle de Kant par exemple : « Le Beau est ce qui plait universellement sans concept. » Car l’oeuvre pour peu qu’elle soit produite (ça n’est pas toujours le cas puisque l’idée qui prévaut sur l’oeuvre peut être exposée en lieu et place de l’oeuvre) peut être objectivement belle sans être un resplendissement de formes intelligibles dégageant une signification universelle.

Il existe une deuxième caractéristique qui met l’art conceptuel à part de la définition de l’Art chez Maritain.

b) Les oeuvres ne se référant pas à l’intelligibilité universelle mais à l’interprétation et les oeuvres ne se suffisant pas à elle même sans commentaires de l’artiste :

« L’art conceptuel remplace la représentation figurative par ce que certains appellent la « représentation sémantique » : au sens où non seulement des mots peuvent accompagner l’œuvre voire faire partie de sa démonstration, mais aussi dans le sens où l’art conceptuel dépend du sens véhiculé à travers un texte ou un discours. »

Nous voyons ici que l’Art n’est plus figuratif mais complètement abstrait, sans le commentaire de l’artiste il n’est pas intelligible, et ne met pas en contact avec l’être. La stylisation quasi-abstraite est possible dans la définition de l’Art de Maritain tant que l’oeuvre se suffit à elle même et reste intelligible, son affection pour l’art futuriste de Severini en témoigne. L’art doit rayonner sans que l’intelligence n’ait besoin de s’en détourner pour abstraire et raisonner sur son sens.

On peut également s’interroger sur la place de la Musique dans la définition de Maritain du fait qu’il n’en parle pas pour se concentrer sur l’art pictural et la littérature. En effet des musiques comme les quatre-saisons de Vivaldi malgré la beauté objective de leurs compositions ont besoin des sonnets du compositeur les accompagnant pour saisir les formes intelligibles représentées dans les morceaux, à savoir le tonnerre, les éclairs, le chant des oiseaux etc… Pourrait-on en effet en saisir le sens sans la direction du compositeur ? Lorsqu’il suffit de regarder un tableau ou lire de la poésie pour en saisir l’Être.

On peut également se demander quelle est la place du spectateur. Ce n’est pas précisément évoqué dans le chapitre I, mais il ne faut pas oublier que Jacques Maritain est aussi un philosophe de l’éducation. Aussi la réception de l’Art chez le spectateur requiert également une prédisposition. Il y a un don natif dans la réception du beau mais c’est quelque chose qui se développe tout comme les vertus intellectuelles.
Si l’art se fait donc trop abstrait, trop conceptuel dans sa figuration du réel (dans le cubisme, il y a par exemple cohabitation de l’abstrait et du réel), il se peut que le spectateur non initié n’en saisissent ni le sens, ni la beauté. Dans ce cas l’oeuvre, dans la définition maritaine, aurait manqué sa vocation.

L’éducation produit une prédisposition à l’intuition esthétique; l’intuition esthétique est le rayon d’intangibilité qui est produit par le beau. Elle n’est pas à confondre avec l’émotion ressentie face à l’oeuvre qui est subjective et qui correspond mieux à la définition kantienne de la beauté, qui est à ce titre une véritable révolution subjectiviste.

L’éducation peut être aussi celle de l’Artiste qui peut être alors purifié à la source, selon les mots de Mauriac et de Maritain pour rendre conforme son art à la Moralité et donc au bien de la vie humaine.
Une idée évacuée par une large partie de l’art contemporain qui utilise justement les frontières de la Moralité pour jouer sur la stupeur des spectateurs. L’Art étant réduit à une idée, et les idées étant comparées à des machines à créer de l’Art. L’Art ne vit désormais que pour lui même tel une idée platonicienne détachée des hommes où l’Artiste ne tire pas conséquence de ce qu’il produit.

II- Questionnements sur la place de la Moralité dans les débats artistiques contemporains

a) L’évolution de la conception de Morale dans les débats artistiques contemporains :

Il n’existe par principe aucune discipline, aucune pratique en Art que nous pourrions exclure par principe du champs de l’Art, à la différence de la Morale ou la finalité dernière de l’Art permet de savoir ce qui est bon et ce qui est mauvais moralement. Dans la philosophie de Maritain, la Moralité est au dedans de l’artiste qui est avant tout un homme. La tension qu’il existe en lui, entre la Prudence et la vertu d’Art, l’amène à plusieurs extrémités. Il peut privilégier l’Art pour l’Art et ne pas se trahir, choisir totalement la Moralité quitte à renoncer à son art lorsque celui ci est contraire à son bien et à celui des hommes. Ou alors essayer de conformer son Art à la Morale tout en ne trahissant pas sa conscience Artistique, il peut y arriver selon Maritain en plaçant ces vertus morales et artistiques sous la subordination extrinsèque et indirecte de la vertu théologale de la Charité.
La Charité renvoie bien évidemment à la religion chrétienne, mais de manière conceptuelle chez Maritain, tout homme qui met la recherche du bien en tant que fin dernière au dessus de sa propre convoitise, aime la Charité, et peut aimer Dieu sans le savoir. C’est bien entendu une vertu qui s’entretient en toutes choses comme les vertus morales, et en pratique comme les vertus intellectuelles ou artistiques.
Aujourd’hui cet aspect moral est totalement écarté des notions contemporaines de l’Art, en effet l’Art existe uniquement pour l’Art, c’est ce que combattait déjà Maritain dans le Chapitre II de La Responsabilité de l’artiste.
On tend à remplacer de nos jours la Morale par l’Éthique et cela se remarque plus particulièrement dans l’Art contemporain.
Alors que la Morale tend à caractériser tout ce qu’il y a de normatif dans une société et dans la loi naturelle (la distinction entre le bien et le mal, l’obligation morale etc…), lorsque l’Éthique bien que liée à cette dernière revêt plus le caractère idéologique de l’individu mais également ce qui est admis ou non dans une société.
Aussi il est bien fréquent que l’artiste se soumette à l’Éthique sans se soumettre à la Morale. Le fait que l’artiste puisse soumettre son art et son oeuvre à un examen moral, pour

questionner son propre bien et celui de son public est perçu aujourd’hui comme une régression dans le domaine de l’Art du fait de l’abandon de la téléologie classique qui a instauré un relativisme ambiant.
En revanche, un artiste pourra se conformer à une éthique sociale ou sociétale dans le but de ne pas être exclu de l’opinion publique dominante. Cette opinion publique dominante est la faculté qu’ont les peuples modernes à tracer un cercle autour de leur pensée selon la théorie politique de la tyrannie de l’opinion d’Alexis de Tocqueville. Tocqueville pensait d’ailleurs les sociétés modernes comme incompatibles avec la production d’oeuvres d’art majeures, du fait de cette tyrannie de l’opinion générale, et du relativisme ou de l’égalitarisme ambiant qui empêcherait les hommes de hiérarchiser les oeuvres. L’Art ne serait donc plus un contre- pouvoir mais le reflet des opinons et l’Éthique d’une société.

Aussi une oeuvre art pourrait totalement transgresser la Morale et respecter l’Éthique d’une société. Par exemple une oeuvre d’art pourrait transgresser un interdit moral naturel tout en se revendiquant éco-responsable (éthique sociétale).
La transgression de la Morale, créant de vives émotions devient parfois un moyen pour marquer les esprits. Le questionnement sur la finalité morale est dans ce cas ci totalement écartée de la conception artistique d’une oeuvre.

b- La transgression morale, un facteur révélateur d’un changement de paradigme artistique:

La transgression morale est une composante intemporelle de l’Art, la Beauté artistique n’a pas l’apanage de scènes agréables à voir en peinture, ou à imaginer en littérature. En effet s’il y a Beauté, selon la définition de Maritain, là où il y a resplendissement de formes intelligibles et sens universel, cela n’implique pas nécessairement que la représentation soit conforme à la Morale. Comme le dit Maritain :

« Les péchés des hommes peuvent être la matière d’une œuvre d’art, l’art peut en tirer une beauté esthétique — sinon il n’y aurait pas de romanciers. L’expérience du mal moral peut même contribuer à nourrir la vertu de l’art»
Aussi montre-t’il qu’une scène moralement critiquable peut participer à la beauté d’une oeuvre.

Le tableau Olympia (1863) d’Édouard Manet avait par exemple provoqué de vives réactions chez les moralisateurs parisiens puisque ce dernier représentait une prostituée de luxe allongée sur divan. Manet avait sorti la nudité du contexte traditionnel du nu antique, où les femmes nues sont surprises hors du bain et donc dans une nudité innocente. En fixant le regard du modèle sur le spectateur, Manet avait brisé la frontière de l’intimité.
Manet a certes transgresser un tabou de l’époque en exposant le corps nu d’une prostituée dans son imperfection et dans sa désinvolture mais a-t-il pour autant transgressé la Morale ? Voici comment se justifie-t’il :

« Je rends aussi simplement que possible les choses que je vois. Ainsi l’Olympia, quoi de naïf ? Il y a des duretés, me dit-on, elles y étaient. Je les ai vues. J’ai fait ce que j’ai vu. »

Manet à la manière de Zola en littérature, va à rebours des images d’Épinal ou de l’idéalisme, il décide de représenter les choses telles qu’elle sont. Le réalisme est alors sujet à scandale, mais l’Art reste malgré tout cette fenêtre sur le monde.

La société de Manet a été le théâtre de cette opposition entre le Prudent et l’Artiste que décrit Maritain dans cet extrait :

« Lorsqu’il réprouve une oeuvre d’art, le Prudent, fermement planté sur sa vertu morale, a la certitude de défendre contre l’artiste un bien sacré, celui d’ l’homme, et il regarde l’artiste comme un enfant ou un insensé. Juché sur sa vertu intellectuelle, l’Artiste est sûr de défendre un bien non moins sacré, celui de la beauté, et il a l’air d’accabler le Prudent sous la sentence d’Aristote : « La vie selon l’intellect est meilleure que la vie selon l’humain. »

Du point de vue de l’Art, l’artiste n’est responsable qu’envers son oeuvre. Du point de vue de la Morale, poser en principe que « ce que l’on écrit ne tire pas à conséquence » est se duper soi-même; l’artiste est responsable envers le bien de la vie humaine, en lui et dans les autres hommes. »

On peut voir ici que Manet a préféré privilégier sa conscience artistique à sa conscience morale, il reste malgré tout que l’oeuvre est belle car intelligible par ce qu’elle retranscrit. De plus les réactions qu’elle a suscité témoignent de la compréhension collective du sens de l’oeuvre. Le débat reste à savoir si l’oeuvre a participé au bien de la vie humaine à son époque ou si au contraire, elle a été une brèche vers de nouvelles transgressions. Néanmoins l’oeuvre de Manet ayant été purifiée par le temps apparait désormais comme un bien inestimable aux yeux des hommes. C’est un bon exemple de ce qu’exprime Maritain dans son livre : seul le temps purifie l’oeuvre de l’artiste.

Là où des artistes comme Manet ont pu s’interroger sur le respect de leur conscience morale ou de leur conscience artistique, on peut voir que la question disparait totalement dans certains pans de l’art contemporain. En effet sur le prétexte que l’Art est une bulle abstraite hors-sol qui n’engage pas la responsabilité de artiste, la transgression morale et la stupeur sont devenus chez certains artistes un prétexte à réaliser une oeuvre, voir la finalité de l’oeuvre elle même.

La question de savoir si l’oeuvre respecte le bien de la vie humaine, de la conscience artistique ou morale de l’artiste, semble avoir été totalement écartée.
Cela va dans la continuité du chapitre I du livre La Responsabilité de l’artiste, puisque le Chapitre II traite de cette tendance à diviniser l’Art au point de le considérer pour sa seule fin.

Il n’existe alors plus de tensions internes à l’homme entre la vertu d’Art et la vertu morale de Prudence, l’exemple le plus probant est qu’un courant de l’art contemporain né à la fin des années 1980 se nomme art transgressif.
Si l’on s’en tient à la conception de l’art occidental chez Nathalie Heinich, qui divise ce dernier en trois phases qui ne sont pas linéaires, mais en rupture les unes par rapport aux autres dans leurs paradigmes, il semblerait que Maritain se soit trouvé à cheval sur le changement de paradigme qui a bousculé le monde artistique de son époque.

Il est d’ailleurs très difficile de placer le concept même de responsabilité de l’artiste dans le nouveau paradigme de l’art dit contemporain. L’appellation contemporain qui décrit un art actuel pouvant être nuancée dans le sens où les paradigmes précédents peuvent être encore revendiqués et être des champs de réflexion.

Pour constater le bouleversement dans le champ de l’art de la conception qu’en a Maritain, il suffit de lire l’analyse de Nathalie Heinich à propos de ce changement de paradigme dans son livre Le paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique (2014)⁷ :

« Un des vecteurs majeurs sur lequel repose l’art contemporain est que « l’œuvre d’art ne réside plus dans l’objet proposé par l’artiste » (p. 89), mais que celle-ci se situe dans un « au- delà de l’objet ». Si dans les paradigmes classique et moderne, l’œuvre était la finalité et représentait la personnalité de l’artiste ainsi que sa sensibilité et même son intériorité, avec l’art contemporain, c’est le jeu avec les limites, avec les cadres institutionnels, avec l’espace d’exposition et même avec le temps qui est générateur de nouvelles formes artistiques. Si le paradigme moderne cultive les sensations ainsi que l’élévation spirituelle, le paradigme contemporain cultive quant à lui les distances (que celles-ci soient physiques, juridiques ou encore morales), l’intégration du contexte, les différentes contraintes étant vécues comme des limites sinon à transgresser du moins à franchir et à dépasser. »

La problématique de la philosophie de l’Art de Jacques Maritain est qu’elle n’est plus audible depuis ce changement de paradigme de l’Art. En effet cette dernière conseille sur une conception de l’œuvre qui a été depuis bouleversée. Une évolution que Jacques Maritain avait anticipée dans son chapitre II de La Responsabilité de l’artiste intitulé L’Art pour l’Art alors qu’il avait lui même observé d’autres évolutions de son vivant comme celle de l’Art instrumentalisée pour le peuple, au service d’idéologies (Chapitre III).