Les magazines de mode en France entre 1900 et 1950

La Haute Couture occupe une place centrale dans l’évolution des revues de mode. Dès la fin du XIX^e siècle, des maisons telles que Redfern et Worth diffusent dans la presse des croquis artistiques, contribuant à façonner l’esthétique de l’époque. Grâce à l’industrialisation de l’image, des dessinateurs¹ comme Georges Lepape, Sem ou Iribe², ainsi que des photographes tels que Waléry, Reutlinger et Talbot, participent à la large diffusion des tendances et à la promotion de la mode.

En 1901, sous la direction de Michel Manzi, la revue Les Modes révolutionne le paysage de la presse en introduisant les premières photographies en couleurs, imprimées sur un papier de haute qualité. Ce tournant technique et artistique inspire d’autres publications, comme La Femme Chic et Femina, qui mêlent subtilement illustration et photographie pour mettre en lumière les créations des grandes maisons de couture. À cette époque, photographes et illustrateurs travaillent sous commande des maisons de mode et de la presse. Le graphisme, quant à lui, s’inspire de l’Art Nouveau, avec des mises en page décorées de dessins et des descriptions minutieuses des vêtements et accessoires. Chaque élément vise à séduire la lectrice en lui offrant une harmonie visuelle en phase avec les goûts de son époque.

Pendant la Première Guerre mondiale, les grands magazines français réutilisent des photographies et illustrations datant de 1912 et 1913, publiant à un rythme mensuel ou trimestriel. Leur objectif est de transmettre un souffle d’esthétisme et de légèreté, comme le souligne Camille Duguet³, rédactrice en chef de Chiffons.

Les années 1920 marquent un nouveau tournant dans la presse de mode française, avec l’essor de publications comme Vogue, La Gazette du Bon Ton ou le Jardin des Modes. Inspirées par des revues américaines comme Harper’s Bazaar et Vogue US, elles adoptent des graphismes modernes et laissent libre cours à la créativité des photographes, grâce à des directeurs comme Alexander Liberman⁴, Carmel Snow⁵ aux États-Unis et Lucien Vogel en France⁶.

Sous l’égide de Condé Nast, Lucien Vogel⁷ est une figure clé de la presse de mode. Il introduit la photographie comme un élément central dans Vogue Paris, dès avril 1920 et dans Vu en 1928. En s’associant avec des photographes d’avant-garde américains comme Edward Steichen, Horst P. Horst et Man Ray, il élargit les horizons de la mode française et fait de Vogue Paris un pilier international de la mode⁸. Cette époque voit l’affirmation de créateurs comme Gabrielle Chanel, Lucien Lelong et Elsa Schiaparelli, ainsi que la contribution de figures littéraires comme Colette dans Vogue Paris et Demain. Les années 1920-1930 incarnent un tournant par rapport à la décennie précédente où la presse de mode devient également une vitrine pour l’art.

De l’Occupation au renouveau de la presse de mode : les années 1940-1950

Pendant l’Occupation, la presse de mode, notamment Vogue Paris, subit les pressions du régime de Vichy et des autorités allemandes. Certains magazines, comme L’Art et la Mode ou L’Officiel, sont contraints d’intégrer des publicités allemandes, tandis que d’autres, comme Signal, séduisent le public français avec des clichés en couleur, contrairement aux revues locales souvent limitées à des impressions monochromes sur du papier de moindre qualité.

Malgré les restrictions économiques qui frappent durement la Haute Couture, l’une des principales industries françaises de l’époque, des maisons comme celles de Lucien Lelong et Elsa Schiaparelli restent actives et continuent d’alimenter les pages des revues.

La mode s’adapte aux pénuries : les tenues deviennent plus sobres et fonctionnelles, tandis que le recyclage et la couture maison gagnent en popularité. Les femmes revendiquent leur élégance comme un acte de résistance face à l’ennemi⁹.

Après la Seconde Guerre mondiale, la mode rencontre une renaissance éclatante. En 1947, Christian Dior bouleverse les codes avec le « New Look » et ses silhouettes féminines aux tailles cintrées et aux jupes amples. Les années 1950 marquent la prospérité d’or pour la Haute Couture parisienne, portée par des créateurs comme Balenciaga, Balmain, Chanel et Givenchy, tous installés à Paris¹⁰.

La presse de mode se réinvente également. Vogue, dirigé par Edmonde Charles-Roux, adopte une esthétique moderne avec les photographies avant-gardistes de Richard Avedon et Irving Penn, tandis qu’Elle et Marie-Claire offrent une approche plus accessible, combinant conseils pratiques et reportages¹¹. L’introduction du prêt-à-porter démocratise enfin l’accès à la mode, bien que les magazines continuent de mettre en avant l’élégance et le luxe¹².

Entre 1900 et 1950, les revues de mode françaises ciblent avant tout un public féminin. Les figures mises en avant, telles que la bourgeoisie, les chanteuses, comédiennes, danseuses ou mannequins, ne reflètent pas nécessairement leur lectorat, mais incarnent des modèles idéalisés. La mode devient alors un moyen d’affirmer un statut social et d’exprimer une féminité conforme aux attentes de l’époque.

À la Belle Époque, la presse de mode accorde une grande importance aux descriptions qui accompagnent les photographies. Ces textes, bien plus qu’un simple complément visuel, évoquent des modes de vie, des saisons ou des émotions inspirées par une toilette ou une parure. Ils incitent les lectrices à s’abonner, promettant bien plus qu’une simple vitrine : un univers de raffinement et d’inspiration.

Les maisons de Haute Couture comprennent rapidement l’enjeu publicitaire de la photographie et exploitent le pouvoir d’attraction des personnalités de la scène, qui portent leurs créations dans les pages des magazines. Cette collaboration lie trois formes d’art : la photographie, la mode, et les arts du spectacle.

Cependant, les figures féminines du « monde parisien » mises en avant dans ces revues ne reflètent ni la diversité de la société française de l’époque, ni le profil réel de leur lectorat. Les magazines, bien que revendiquant une modernité esthétique, évitent tout combat idéologique pour privilégier l’élégance et le luxe. Ainsi, des publications comme Femina, La Gazette du Bon Ton ou Vogue, mises à disposition dans les salons des grands couturiers¹³ se positionnent comme des magazines de prestige, destinés à une clientèle aisée, tout en affirmant leur différence par une mise en page soignée et des illustrations artistiques. Le tirage de ces revues reste modeste, souvent inférieur à 100 000 exemplaires, bien loin des chiffres de la presse populaire qui dépasse largement ce seuil. Cependant, leur circulation est remarquable : une fois acheté, le magazine circule de main en main, passant de l’aristocrate à sa domestique ou sa couturière, qui à leur tour le partagent avec leurs amies ou leurs enfants¹⁴. Vogel aspire à créer des revues élégantes, pensées pour une élite féminine prête à acquérir les vêtements et produits mis en lumière dans leurs pages¹⁵.

Une hiérarchie claire s’établit entre les revues, fondée sur leurs tarifs et la qualité des photogravures. Les magazines luxueux, véritables trésors d’arts appliqués, tels que Les Modes, offrent des tirages luxueux, parfois en couleur. Les Modes se plaît à d’offrir à ses lectrices « des aspects de la femme saisis dans l’instantané de la photographie […] au Bois, aux courses, à la mer, partout où on la voit¹⁶». Les photogravures deviennent des objets à collectionner, symboles de distinction sociale¹⁷.

Pour répondre aux attentes des femmes de milieux modestes, La Mode illustrée, La Mode Pratique ou Modes & Travaux démocratisent la mode en partageant des patrons de couture que les lectrices peuvent reproduire chez elles, leur permettant de suivre les tendances sans le coût élevé des créations de Haute Couture. Ces patrons, véritables passerelles entre la Haute Couture et les femmes modestes,

émergent dans un contexte où les droits des créations de mode, protégés par des dépôts officiels auprès des conseils de prud’hommes ou des greffes, deviennent essentiels pour lutter contre les copies. À partir de la Première Guerre mondiale, ces protections visent à contrer les « pirates de la mode », ces imitateurs actifs en France et à l’étranger. Des affaires célèbres, comme les procès intentés par Madeleine Vionnet dans les années 1920, sont largement relayées par la presse et consolident ces pratiques¹⁸. Les patrons permettent aux Françaises de créer chez elles des vêtements inspirés des dernières tendances, rendant la mode plus accessible sans en payer le prix fort. Ils reflètent l’aspiration de l’époque à l’élégance et à la beauté¹⁹. Pratiques et destinées aux couturières ou aux femmes souhaitant économiser, ces revues privilégient le dessin plutôt que la photographie²⁰. Des publications modestes, comme Le Petit Écho de la Mode, offrent chaque semaine des conseils pratiques pour la vie quotidienne, où la mode occupe une place importante. L’usage de la couleur pour les couvertures est courant, mais la photographie n’y fait son apparition qu’au milieu des années 1930²¹.

Les années 1920 marquent en effet une transformation profonde de l’image de la féminité. La figure de la garçonne remplace l’élégante de la Belle Époque, incarnant une femme plus libre et active. Des magazines comme Vogue Paris, destiné à une élite cosmopolite, reflètent ces évolutions. Très lié à sa maison-mère new-yorkaise, Vogue Paris introduit en France des idées venues des États-Unis, comme celles des Suffragettes après l’adoption du 19e amendement en 1920.

Dans une société transformée par la Première Guerre mondiale, Vogue Paris propose à ses lectrices des représentations modernes du corps et de la beauté, bousculant les codes traditionnels. La mode garçonne, popularisée notamment par la maison Premet avec sa célèbre robe de La Garçonne, se démarque par des coupes droites et des jupes raccourcies, libérant les femmes de leurs corsets et dévoilant pour la première fois les tibias. Charlotte Révyl, créatrice chez Premet, décrit ce style comme un équilibre subtil entre esthétique masculine et féminine, affirmant qu’avec leurs cheveux courts et leurs silhouettes androgynes, les femmes peuvent désormais afficher leur indépendance tout en restant élégantes²².

Leurs vêtements, conçus pour accompagner une vie en mouvement, reflètent l’effervescence des Années folles, de 1919 à 1929. Ces magazines ne se contentent pas de suivre les tendances : ils les réinventent, offrant à leur lectorat féminin des visions audacieuses de modernité et d’émancipation.

Après la Première Guerre mondiale, la disparition des grandes revues et la hausse des coûts d’impression obligent l’industrie de la mode à se réinventer. Jusqu’en 1926, la photographie de mode se fait rare dans les magazines, le papier journal, moins coûteux, ne permettant pas une impression de qualité. Face à ces contraintes, photographes et couturiers concentrent leurs efforts sur deux objectifs : promouvoir des robes prestigieuses pour asseoir la réputation des maisons de couture et valoriser des vêtements de confection plus accessibles.

Les séances en studio perdent en popularité, poussant les photographes à explorer l’extérieur. Les modèles posent désormais en ville, à la campagne ou en plein air, arborant des coupes simples et pratiques, mieux adaptées aux besoins des femmes modernes. Cette évolution rapproche la mode des lectrices, qui retrouvent dans les magazines des styles en phase avec leur quotidien, entre élégance et praticité.

La crise économique des années 1930 renforce cette quête de simplicité. Confrontées aux difficultés financières, les femmes privilégient des vêtements fonctionnels et abordables. Les matières dites « pauvres », comme le jersey ou le tricot, deviennent populaires grâce à leur aspect pratique et économique. Des créateurs tel que Chanel intègre ces matériaux, conciliant style et contraintes budgétaires²³.

Dans ce contexte, les magazines s’ouvrent à un public plus large. S’ils conservent une image de féminité élégante, ils introduisent des créations simples et accessibles, mieux adaptées à la réalité des lectrices. Tandis que les grandes maisons de couture restent réservées à une élite, les publications offrent des conseils pratiques pour maintenir une allure moderne malgré les restrictions.

L’arrivée de Marie Claire en 1937, impulsée par Jean Prouvost, marque un tournant dans la presse féminine. Inspirée du journalisme américain, et dirigée par Marcelle Auclair et Pierre Bost, cette revue s’adresse aux femmes des classes moyennes, offrant une image séduisante et dynamique. Entre conseils pratiques et émancipation naissante, elle reflète les aspirations d’une époque en pleine transformation.

Dès 1945, un renouveau spectaculaire se dessine. Des magazines comme Elle et L’Officiel introduisent le prêt-à-porter, ouvrant ainsi la porte à une mode plus accessible. Ces publications sont une passerelle entre l’élite de la Haute Couture et un public plus large, offrant ainsi à de nombreuses femmes la possibilité d’accéder à des tendances élégantes et modernes.

La presse de mode reflète les goûts et les idéaux de chaque époque, offrant un miroir des tendances et des préoccupations sociales entre 1900 et 1950. Dans les premières décennies du XX^e siècle, notamment entre 1900 et 1920, les magazines se concentrent principalement sur des conseils d’élégance, de beauté et sur les façons de se vêtir selon les saisons, tout en insistant sur la jeunesse et l’image féminine. Après la Première Guerre mondiale, certains magazines commencent à aborder des thèmes sociaux, tels que le féminisme et l’activité physique des femmes, notamment à travers les créations de Paul Poiret qui intègrent ces préoccupations dans la mode. Ces sujets se lient aux enjeux politiques et médicaux de l’époque, reflétant une société en pleine évolution. Dans les années 1930 et 1940, la presse de mode se diversifie encore, abordant des thématiques plus larges telles que la littérature et l’art, comme l’a introduit Vogue Paris dans les années 1920.

Ainsi, avec le temps, les magazines de mode s’éloignent peu à peu de leur simple rôle d’accompagnement des tendances pour s’intéresser à des questions sociétales plus générales.  Cependant, une hiérarchie persiste entre les magazines destinés à la bourgeoisie, qui cultivent l’idéal de luxe et de rêve, et ceux plus pratiques, qui visent à conseiller les femmes de tous horizons dans leur quotidien.

Les magazines de mode comme supports commerciaux et publicitaires

Dès l’aube du XX^e siècle, la presse de mode devient un véritable vecteur économique pour les maisons de couture, les commerces de beauté, les pharmacies, et même les photographes et coiffeurs. Au départ, la publicité s’immisce discrètement dans les premières et dernières pages des magazines. Cependant, à Noël, des numéros spéciaux, introduits par des titres comme Les Modes, prennent une ampleur inédite, proposant des volumes de plus de cent pages, entièrement dédiés à des publicités. Ces numéros présentent des maisons de mode, des salons de beauté, des coiffeurs, des fleuristes, des destinations de vacances et bien d’autres, offrant ainsi à leurs lectrices des idées de cadeaux pour les étrennes.

La publicité dans la presse ne se limite cependant pas aux pages commerciales. Elle se glisse également au cœur des articles, où certains journalistes, comme Camille Duguet, offrent des portraits des maisons de mode et des créateurs, à l’image de Jeanne Lanvin, ou encore des photographes de mode tels que le studio Talbot, dans Les Modes.

Dans les années 1920, Vogue Paris prend une orientation résolument élitiste, en visant un public au fort pouvoir d’achat, en quête de produits haut de gamme. Le magazine se positionne ainsi comme un acteur clé dans l’univers de la création artistique, parfois perçue comme un véritable mécénat. Dans les années 1930, des artistes comme Christian Bérard, grâce à Michel de Brunhoff, bénéficient de contrats lucratifs, consolidant leur succès financier. Figurer dans des revues comme Femina, Le Jardin des Modes ou Vogue Paris, devient un gage de notoriété, que ce soit pour des photographes tels que Reutlinger ou Helmut Newton, ou pour des illustrateurs et graphistes. Travailler pour ces magazines prestigieux garantit une reconnaissance et un rayonnement incontestés²⁴.

Le magazine de mode devient ainsi un carrefour incontournable entre créateurs, vendeurs et clients, un espace où se rencontrent l’art et le commerce. Chaque double page devient un terrain stratégique, où des maisons comme Jeanne Lanvin, Paul Poiret, Lucien Lelong ou Worth déploient leurs créations, soutenues par des commentaires soignés de journalistes et des photographies, souvent de grande valeur artistique, commandées pour séduire et attirer la clientèle potentielle²⁵.

Les magazines Marie Claire et Paris Match sont devenus de véritables supports publicitaires, avec des annonces envahissant l’ensemble de leurs pages. Cette évolution ouvre la voie aux magazines modernes, où la publicité occupe une place centrale²⁶.

Au début du XX^e siècle, la presse de mode joue un rôle clé dans l’affirmation de la France comme capitale mondiale de la mode. À travers des magazines illustrés, elle forge une image nationale d’élégance et de sophistication qui attire même des photographes internationaux à Paris dans les années 1920, désireux de profiter de la renommée des grandes maisons de couture, à l’instar de Germaine Krull avec ses photographies pour les Boutiques Simultanées de Sonia Delaunay²⁷

Après la Seconde Guerre mondiale, des publications comme L’Officiel de la Couture et de la Mode de Paris ou L’Art et la Mode participent à la reconstruction de l’image de la France. Dès la Libération, la Haute Couture et ses industries aident à restaurer l’image de la France sur la scène internationale, à renforcer son autonomie et à réaffirmer Paris comme un centre incontournable de la mode.

À travers des articles élogieux, réclames et expositions, comme Le Théâtre de la Mode en 1945, la mode parisienne contribue à redorer le prestige de la France auprès des Alliés. Bien que fragilisée économiquement et politiquement, la France trouve dans la Haute Couture un puissant levier culturel, grâce à l’émergence à cette période d’un certain Christian Dior.

Entre 1900 et 1950, la presse de mode reflète les évolutions artistiques, sociales et commerciales de son époque. Par ses illustrations et photographies, elle façonne les idéaux d’élégance tout en affirmant le rôle de Paris comme capitale mondiale de la mode. Cette période marque l’émergence de la presse moderne et renforce l’image de Paris comme symbole d’élégance et de créativité, un statut qu’elle conserve encore aujourd’hui. Si la presse papier a perdu de son influence, le digital et les réseaux sociaux perpétuent cet héritage, consolidant Paris comme référence incontournable dans le monde de la mode.